Дерево

В богатой лесами России деревянные промыслы всегда занимали особое место: древние славяне, селившиеся у Днепра, Дона и озера Ильмень, владели навыками художественной обработки древесины и использовали её при строительстве домов и создании бытовой утвари.  Простые, рубленые топором куклы использовались в качестве идолов и оберегов. Но со временем искусство усложнялось, и появлялись различные техники: резьба по дереву, художественная роспись, выжигание.

Роспись

 Полхов-майданская роспись

Монахи Саровского монастыря владели токарным  промыслом и сами изготавливали себе деревянную посуду. В конце XVIII века крестьяне Полохов-Майдана переняли у них это умение, а в середине XIX века, благодаря крестьянину-кустарю Павлу Полину, узнали о существовании выжигательного аппарата, работавшего на газовом топливе. Уже в ХХ веке выжженные обводки и узоры в Полохов-Майдане стали раскрашивать красками.

В полхов-майдановской росписи используется четыре цвета: синий, зеленый, красный и желтый, а обязательный приём — обводка рисунка чёрным цветом, сменившая обжиг.

Полхов-майданские токари создавали свистульки, пасхальные яйца, подставки, шкатулки и матрёшек. Отличить их от изделий других регионов можно благодаря вытянутым пропорциям, плавным контурам и особенному цветочному орнаменту с неизменной розой, веткой яблони и клубникой, у которой чередуются синие и зелёные листья.

Ложкарный промысел

Центром ложкарных ремёсел была Нижегородская земля, богатая на деревянные промыслы. Даже в середине ХХ века 96% ложкарного промысла приходилось на эту область, а 4% — на все остальные. Этот промысел процветал также  в Архангельской, Вятской и Оренбургских областях.

Ложкари появились в то самое время, когда появилась и первая деревянная посуда. Вырезание ложки — особое искусство, требующее специальных навыков и секретов, которые ложкари передавали из поколения в поколение. Так как каждый человек имел свою ложку, которую часто носил с собой, к ней всегда относились как к нечто большему, чем просто столовому прибору. Поэтому и ложкарное ремесло совершенствовалось и усложнялось, и среди промыслов было самым прибыльным.

Традиционно ложки делались из берёзы, осины и ольхи, но также и из груши, яблони, рябины, ивы и клёна. У ложек были и свои названия: рабочая, тонкая, полубаская и баская (то есть красивая), носатая, бутырка, межеумок, ложка-загибка.  Существовало множество росписей, хохломская, новинская, пуриховская, и у каждой был свой особый рецепт.

Окраска ложки отличалась от окраски других изделий, так как требовала очень стойкого покрытия, не трескающегося и сохраняющего рисунок. Сначала ложки сушили, затем шпалевали раствором мела и глины, затем промасливали сырым льняным маслом — и оставляли сушиться. После просушки  ложку олифили, расписывали, сушили и отправляли в специальную печь.

В старые времена в работе участвовала вся семья. Мужчины вытачивали и вырезали, сыновья обрабатывали заготовки, которые назывались баклушами, женщины грунтовали и красили. В наше время спрос на деревянные ложки, конечно, упал, но всё же существует и по сей день. По традиции центром ложкарного промысла остаётся Нижегородская область, город Семёнов.

Городецкая роспись

Деревянный промысел в Поволжье, в деревнях Букино, Боярское, Хлебаиха, Курцево, Савино, Косково и других, началось со строительства Петром Первым русского флота. Поначалу резчики по дереву делали украшения для кораблей, а когда флот перенесли к морям, перешли на вырезание посуды и прялок. Изначально роспись служила только дополнительным украшением, но со временем развилась в особое искусство. Роспись, получившее название городецкой, окончательно оформилась только в XIX веке, и первыми на неё обратили внимание известный меценат Мамонтов, а также художники Поленов, Репин и Васнецов.

Городецкий рисунок наносится на дерево без грунтовки. Иногда в качестве фона используются жёлтый, красный или чёрный фон. Основные композиции - это цветочный орнамент, композиция с конём или петухом и сложная сюжетная роспись, связанная с бытом городецких жителей - простых крестьян и купеческого сословия. Нередко встречаются и экзотические животные, львы или барсы, и сказочные существа. Основные цвета орнаментов: охра, розовый, красный, голубой, синий, белый, зелёный, чёрный  и жёлтый.

Хохлома

История хохломы насчитывает более трёх веков. Этот промысел появился в нижегородских сёлах Заволжье и Семино у реки Узол, где жители исстари работали с деревом, а своё название получил по имени торговой деревни, где ремесленники сбывали свой товар.

По преданию, появившиеся в нижегородских землях старообрядцы, знавшие секрет золочения икон с помощью серебряного материала и олифы, передали его крестьянским мастерам. Поначалу эту технологию применяли только в иконописи, но с появлением гораздо более дешевого олова, золотить начали и посуду. Таким образом хохлома соединила в себе крестьянские ремесленные традиции и староверческое иконописное мастерство.

Начиная с XIX века самым популярным товаром хохломских умельцев стала деревянная ложка. Самая большая ложка в мире — размером в 2 метра 67 сантиметров, тоже расписана под хохлому. Хохломская посуда славится не только красотой, но и долговечностью — у неё не трескается лак и не блекнут краски. Она несколько раз обрабатывается в печах, что сохраняет потом рисунок даже при воздействии горячих температур.

Эту роспись с сочетанием золота, ярко-красной киновари и чёрного цвета, ни с чем не перепутать. В ней чаще всего можно увидеть огромные цветы, ягоды рябины и земляники, цветущие ветки и жар-птицу.

Семёновская роспись

В стенах фабрики по производству изделий народных художественных промыслов «Торговый дом Семеновская роспись», которая была основана в 1932 году, появилась на свет живая, добрая и яркая, с пышным букетом цветов на сарафане семёновская матрёшка. Она известна с детства, пожалуй, каждому жителю нашей Родины. А с 1953 года, когда фабрика стала принимать участие в зарубежных выставках, семёновская матрёшка приобрела известность и за рубежом, став за долгие годы символом России.

И по сей день семёновские матрёшки поставляют в различные уголки мира: от ОАЭ до Великобритании, от Финляндии до Канады, от Аргентины до Японии, а так же в Германию, Францию и другие страны ближнего и дальнего зарубежья.

В 2017 году в Семёнове открылся Музей матрёшки и традиционной игрушки, где собрана уникальная коллекция семёновских матрёшек. В музее проводятся экскурсии и мастер-классы.

Борецкая роспись

Борецкая роспись известна с XVIII века. Своё название получила от села Борок (Архангельская область), где располагался центр росписи. Впоследствие из него выросли еще два художественных направления — «пучужская роспись» и «тоемская роспись».

Один из главных образов промысла  — Древо жизни, пышный цветок с прямым стеблем, вокруг которого размещаются звери, растения, ягоды и птицы.

Борецкую роспись легко отличить от других, обратив внимание на палитру. Преобладают яркие простые цвета: жёлтый, красный, зелёный, коричневый. Все элементы изображения художники подчёркивают чёрным контуром, так что рисунки выглядят очень графично.  Первоначально росписью украшали только прялки, позже мастера стали браться и за сундуки, короба и шкатулки, сделанные из бересты и фанеры.

Само возникновение селения мастеров связано с легендой о временах правления царя Ивана III, обязавшего платить дань все русские земли, от Пскова и до свободолюбивого Новгорода. Но часть новгородских бояр, возглавляемых сильным лидером — боярыней Марфой Борецкой — не были согласны с таким раскладом дел. Царь Иван направил войско в город, и Новгород был покорён. Боярыня Марфа же вместе с единомышленниками сбежала за Северную Двину и основала поселение на высоком берегу реки, которое в честь её рода и было названо Бороком.

Мезенская роспись

Мезенская роспись зародилась в селе Палащелье, на берегу реки Мезень, которая находится в Архангельской области, между Северной Двиной и Печорой. Иногда эту роспись называют палащельской, по названию села. Это один из старейших художественных промыслов Севера, и её секреты когда-то передавались по наследству строго по мужской линии. Расписывались преимущественно прялки, шкатулки, посуда и другие бытовые изделия, и поначалу роспись служила лишь украшением для домашней утвари и рабочих инструментов.

Самобытная мезенская роспись имеет только два цвета, красный и чёрный, а мезенские художники получали краски из сажи, смешанной с лиственничной смолой, и красной глины. Роспись вобрала в себя шаманские традиции, языческие верования и мифологию русского Севера, поэтому она часто изображает коня, символизирующего у северян восход солнца, и утку, которая уносит солнце до рассвета в подводный мир.

Для мезенской росписи характерна многоярусность — так по шаманским верованиям мир разделяется на три мира, подземный, наземный и небесный. Мезенские орнаменты — это не просто узоры, а  первую очередь символы, унаследованные у северных народов. Так крест или крест, заключённый в круге, — это солнце, короткие штрихи — ветер, спираль — огонь, линия — небесная твердь, а линия с волнистой кривой над ней — небесная твердь, полная воды.

Игрушка

Богородская игрушка

Сергиев Посад недаром называли «столицей игрушечного царства», здесь, в селе Богородское, в XVII веке зародился деревянный игрушечный промысел, ставший самым известным в России. Причём его появление — плод влияния Троице-Сергиевого монастыря, одного из крупнейших ремесленных центров того времени, ведь крестьяне Богородского были монастырскими крепостными.

Богородская игрушка сочетает в себе крестьянские и посадские традиции, народный лубок и творчество профессиональных художников, а также испытало на себе влияние книжных иллюстраций и керамического искусства.

Мягкая и податливая древесина ольхи, липы и осины, растущих в этих краях, - идеальный материал для вырезания. Причём до того, как стать игрушкой, дерево высушивается целых 4 года. Поначалу игрушки были одинарными, с узорной резьбой, но со временем стали усложняться по сюжету, собираясь в целые скульптурные группы. Позже богородские умельцы научились «оживлять» свои игрушки, так что деревянный медведь раскидывает лапы, медведица качает колыбель с медвежонком, а солдатики расходятся и сходятся в стройные шеренги. Механические игрушки работают с помощью верёвочки, пружинного механизма или шарика-баланса.

Самый знаменитый сюжет богородской игрушки — мужик и медведь, которые бьют молотами по наковальне, а фигурки приводятся в движение с помощью планки, на которой крепятся. Этой забаве, ставшей визитной карточкой Богородского, уже более 300 лет.

Матрёшка

Один из самых узнаваемых символов России зарубежом — нарядная румяная фигурка девушки в платке. Внутри одной деревянной куклы находятся другие — самая большая матрешка была представлена в 1970 году на выставке в Токио, это была 72-местная игрушка.
Матрёшка появилась в 90-е годы 19 столетия, в период особого интереса к русской культуре и искусству. Сохранение и возрождение народной крестьянской игрушки стало основной целью мастерской «Детское воспитание». Сначала в мастерской изготавливались куклы в праздничных нарядах, затем профессиональный художник Сергей Малютин, вдохновившись японской игрушкой Дарума, создал русскую деревянную игрушку. Народные красавицы в крестьянских одеждах назвали Матрёшкой. С одной стороны, это было отсылкой на одно из самых распространённых женских имён — Матрёна, с другой стороны в этимологии этого слова заложено слово «матерь», так что эта игрушка не только веселая забава, но и один из символов материнства. 
Для изготовления матрёшки мастера чаще всего используют мягкие породы деревьев — липу, ольху или березу. Каждая заготовка проходит через более десяти этапов, а самой первой изготавливают самую маленькую игрушку, которая вкладывается самой первой. Когда все фигурки готовы, их расписывают гуашевыми красками, а затем покрывают лаком — после этого матрёшка готова к встрече со своим владельцем. 

Кузнецкая матрёшка

В 1992 году новокузнецкие мастера объединились в товарищество мастеров народных промыслов «Творчество» под руководством искусствоведа Людмилы Бендас. Людмила Ивановна работала старшим научным сотрудником в Новокузнецком художественном музее, преподавателем в Новокузнецком педагогическом институте, более двадцати лет посвятила созданию в родном промышленном городе самобытных народных художественных промыслов. Именно ей в середине 1990-х годов ХХ века, через 100 лет после первой русской матрешки, нарисованной в Москве художником С.В. Малютиным, принадлежит идея создания «живой», радостной «Кузнецкой матрёшки».

Эту идею творчески воплотила талантливая и самобытная художница Маргарита Даутова, вдохнув в матрёшку жизнь и чувства, наделив каждую судьбой и неброской красотой. Маргарита Леонидовна окончила курсы росписи по дереву ООО «Творчество», работала мастером росписи и преподавателем декоративной росписи по дереву. В 1994 году Маргарита Даутова принимает участие в международной выставке в г. Москве. Представленная ею матрёшка «Провинциалка» из 15 кукол положила начало новому художественному промыслу «Кузнецкая матрёшка».

Маргарита Леонидовна разработала и написала более 800 авторских работ, всего ею выполнено более 6000 работ. Сегодня «Кузнецкую матрёшку» узнают и отличают во многих городах России.

Источник фото: Новокузнецкий краеведческий музей

В Новокузнецком краеведческом музее коллекция «Кузнецкая матрёшка» начала формироваться в 2014 году, насчитывает 48 предметов.

Основные типы «Кузнецкой матрёшки» (в роспись вложены разные идеи её назначения):

• матрёшка-настроение;
• матрёшка-сувенирная;
• матрёшка-театр (коробейник);
• матрёшка-книжка.

Кузнецкие матрёшки очень разнообразны по формам. Это матрёшки-столбики, матрёшки-кубышки, плотные и приземистые. Одна из самых первых матрёшек «Хозяюшка» (М. Даутова) отличалась не «лицом», а изображением блюда в руках. «Хозяюшка» им гордится и любуется. На чёрном фоне блюда художница изобразила в своеобразной манере все виды садовых ягод. В росписи блюда можно узнать хохломские травы.

Резьба

Сергиевская маховая резьба

Монахи Свято-Троицкой лавры вырезали из дерева кресты, иконы и иконостасы, и старейшие деревянные изделия относятся к XIV–XV векам. А согласно легенде, родоначальником этого вида резьбы был сам Сергий Радонежский.

Резчики по дереву работали без эскизов, высекая форму богородским ножом - острым ножом особой формы, «с маху», отчего резьбу и назвали «маховой». Деревянные фигурки, как и иконы, «левкасили», покрывали левкасом — мелом, размешанным на рыбьем клею и льняном масле.

Так как среди популярных сергиевских фигурок были монахи, а также композиция «барышня и гусар» — дань европейской моде, то после революции сергиевская маховая резьба попала под запрет, а потом и забылась, так что традиции оказались утерянными. Сохранилась богородская резьба, которую часто соединяют в единое с сергиевской, но у неё другая, более гладкая, техника.

В 80-е годы резчик Александр Варганов, с помощью искусствоведа Виктора Соловьёва, восстановил искусство сергиевской маховой резьбы.

Абрамцево-кудринская резьба

Это ремесло возникло не в монастыре или артели резчиков, а в доме крестьянина Василия Ворноскова, который создал мастерскую резных деревянных изделий. Ворносков делал шкатулки, ларцы, ковши, небольшие шкафы и украшал их вычурной резьбой, которая очень быстро сделала его товары узнаваемыми, а его самого — известным далеко за пределами Подмосковья.

Сам Ворносков был воспитанником столярной мастерской для крестьянских детей, основанной женой знаменитого мецената и купца С. Мамонтова. Абрамцево — это имение самого купца, а Кудрино — соседняя деревня, куда переехал Ворносков. Отсюда и пошло название этой резьбы, которая изредка называется также и ворносковской.

Ворносков разработал свой особый стиль, получивший название «плоскорельефной заоваленной резьбы», которую в просторечии иногда зовут «кудринки». На деревянных изделиях он выполнял орнаментальные композиции из силуэтов животных, птичих перьев,  завитков, веточек и листьев.

Абрамцево-кудринскую резьбу отличает нарочитая незаглаженность, со следами ножа и стамески, и особая рыхлость и бархатистость фона. Богатая цветовая палитра достигается с помощью морилок и красителей, придающих дереву не только привычный коричневый, но и серый или оливковый цвет.

Глухая домовая резьба

Глухая резьба, распространённая в Нижегородском, Балахнинском и Городецком уездах с середины XVIII до начала XX века, берёт своё начало с украшения судов. Отсюда и её другие названия — «барочная резь» (от слова барка) и корабельная резьба. Ремесленники работали на судах зимой, а в остальное время искали работу на стороне, привнося своё искусство в жилое зодчество - оконные наличники, ставни и ворота. Так на деревянных домах появлялись необычные орнаменты и сказочные существа, типичные для корабельных украшений — русалки или птица-сирин.

Глухая резьба выполнялась не одним мастером, а целой артелью, где обязанности были распределены между всеми работниками. Рисунок наносился иглой на сосновую, гладко обструганную доску, затем пудрился с помощью мешочка с истолчённым углем и обводился карандашом. После, с помощью набора долот, мастер вырезал рельеф и детально прорабатывал рисунок, который покрывал олифой.

Глухой эту резьбу называют за «глухой», без прорезей, фон. Правильное расположение высоких и низких участков рисунка создаёт выразительность, декоративность и непередаваемую игру светотени.

Шемогодская резьба по бересте

Самый известный берестяной промысел, шемогодская резьба, зародилась в конце XVIII — начале XIX века в Шемогодской волости Великоустюгского уезда Вологодской губернии. Наибольшего мастерства достигли резчики деревни Курово-Наволок.

Шемогодские мастера делают туески, шкатулки, перчаточницы, платочницы, табачницы, пеналы и другие изделия, украшенные прорезной берестой или теснением. Ажурные узоры, названные «берестяным кружевом», состоят из растительных орнаментов — стелющихся стеблей с удлинёнными листьями, цветов и ягод, и геометрических рисунков - ромбов, кругов и овалов. Вырезаются также и более сложные изображения: животные и птицы, городские пейзажи, бытовые сценки — чаепития, танцы и гуляния в саду, или крестьянский быт — охота и рыболовство.  Заметное влияние на шемогодскую резьбу по бересте оказали северная ажурная резьба по кости и черневое искусство.

Техника резьбы по бересте требует аккуратности и навыка. На бересту, мягкую и податливую от природы, тупым шилом наносится рисунок, который вырезается потом острым ножом. Чтобы получить резкие контуры, мастера держат нож под прямым углом, а чтобы рисунок приобрёл мягкие очертания, его слегка наклоняют — тогда оголится срез и толщина материала.

После революции берестяное ремесло сохранилось благодаря рабочим артелям, которые существовали даже в годы войны.

Берестяной промысел в Кузбассе

Берестяной промысел обрёл самостоятельный статус в Кузбассе в 70-е годы прошлого века. Мастера не только освоили работу с этим материалом, но и внесли много нового, развили традицию, создали свои направления, школы. Многие музеи уже имеют в своих фондах работы кузбасских берестянщиков, поскольку кузбасские умельцы устраивали передвижные выставки –  их работы стали известны на Урале, в Москве. В Кузбассе существуют три основных центра берестяного промысла: Мариинск, Прокопьевск, Кемерово. В каждом – свои особенности. Мариинская школа привержена традициям. При этом мастера здесь очень разноплановые. Объединяет их общее направление: мариинцы делают функциональные вещи — туеса, короба, блюда. Это крестьянский стиль – в противоположность городскому стилю изделий из Прокопьевска, например. Мариинские мастера предпочитают крупные размеры работ, не усложнённый, чаще растительный, орнамент, яркую роспись – как гуашевую, так и масляную, применяют различные формы оплёток для украшения донцев, ручек и крышек. Кроме того, используется прорезная накладная береста, часто с цветным фоном, декорирование цветным шнуром, кожей, необработанной берестой. Роспись создаётся самая разнообразная: от фольклорных и библейских сюжетов до традиционных геометрических и растительных орнаментов. В последнее время заметна тенденция к снижению резного и расписного декора, больше внимания уделяется природным качествам материала – цвету, фактуре. Характерна для мариинцев работа комплектами. Мастера также изготавливают народные музыкальные инструменты.

На фото: мастера «Прокопьевской бересты»

Прокопчане стали работать с берестой несколько позже мариинцев. Они выработали особый стиль и свой подход к организации труда. Прокопчане сначала работали резчиками по дереву, и с берестой продолжают работать «методом бригадного подряда». Долгое время в Прокопьевске существовало объединение берестянщиков — «Сонмище». Сейчас это объединение переименовано в «Прокопьевскую бересту», мастера создают работы для муниципальной коллекции, представленной в культурно-выставочном центре «Вернисаж». Сюжеты и мотивы произведений самые разные: буйство таёжной жизни, языческая мифология, башкирские, шорские национальные традиции, русский праздник, ироничные игровые формы, исторические образы, философские размышления. Мастера создают изделия как традиционных форм (туеса и короба), так и новых функциональных форм, прежде несвойственных народным промыслам, но выполненных в традиционной технике резьбы, плетения, тиснения: вазы, ледницы, хлебницы, кружки, блюда. Такие формы технологически сконструированы промысловыми приёмами: шитьём пластов, применением сколотня. Кроме того, создаются предметы объёмных пластических форм – «декоративная пластика». Она исполняется в технике рожкового плетения. Примером может служить серия работ «Дятлы» Рашита Багаутдинова. В качестве отдельного направления в промысле выделяют настенные панно, плоскостные формы, в которых подчёркивается природный рисунок, текстура материала. Художественной обработкой создаются эффекты, вызывающие ассоциативные образы. В эту группу можно отнести инсталляции – декоративные объекты, основной частью которых является панно, а также стилизованные под архаику коренных народов Сибири бубны, маски и берестяные «грамоты».

Источник фото

Среди берестянщиков Кузбасса особняком стоит кемеровский художник Виктор Хахалин. Этот мастер создал совершенно особый тип берестяной игрушки. После окончания Кемеровского художественного училища занимался живописью. С 1990 года начал работать с берестой, в 1992 году создал новое направление в работе с ней – сделал свою первую куклу. С тех пор скульптура стала основой творчества мастера, его визитной карточкой. Излюбленной темой Хахалина является изображение крестьянского быта и труда: это «Косари», «Баба с граблями», «Пахарь». Также интересна и своеобразна серия работ «Русские забавы» и скульптуры, посвящённые славянским мифам и языческим богам. Несмотря на довольно примитивное изображение лиц, у каждого героя чувствуется свой характер. Виктор Хахалин регулярно участвовал в выставках в России и за рубежом.